Este libro ofrece una colección culturalmente diversa de trabajos de algunos de los fotógrafos más famosos del mundo, examinando nociones cada vez más fluidas de masculinidad a través de las últimas seis décadas.
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El libro reúne el trabajo de aproximadamente cincuenta artistas de diferentes etnias, generaciones e identidades de género para ver cómo las ideas de masculinidad han evolucionado desde la década de 1960. Cada uno de sus seis capítulos temáticos presenta un trabajp audaz y deslumbrante de artistas como Richard Avedon, Robert Mapplethorpe, Herb Ritts, Collier Schorr, Larry Sultan, Wolfgang Tillmans y David Wojnarowicz, quienes son famsos por sus representaciones de masculinidad y sus tropos. Otros, incluidos Rotimi Fani-Kayode, Mashaisa Fikase, Adi Nes, Hank Willis Thomas y Akram Zaatari, ofrece perspectivas étnicas y culturalmente diversas.. Varias artistas femeninas, Laurie Anderson, Annette Messager, Tracey Moffat y Marianne Wex, exploran la naturaleza incómoda e invasiva de la mirada masculina, y artistas más jóvenes como Sam Contis, Andrew Moisey, Paul Mpagi Sepuya y Elle Pérez, ofrecen una perspectiva de la masculinidad del siglo XXI a través de la lente de la identidad y la política global.
Cada capítulo del libro comiena con un ensayo de un pensados clave en las campos del arte, la historia, la cultura y los estudios queer, que abarcadécadas y consitnentes. Esta exploración muestra cuán dificil es definir la masculinidad.
FEMINISTART ACTIVISMS AND ARTIVISMS ISBN 9789492095725 . VALIZ $32.35. 320 páginas, 17 x 24 cm, pb, Inglés
Esta pubicación busca diseccionar cíticamente el término “activismo”, que hoy parece haberse convertido en una palabra clave para el empoderamiento de cualquier mujer a través de las artes, y revela la diversidad de prácticas y realidades que comprende. Al presenta un agama de ideas críticas, perspectivas y prácticas de artistas, activistas y académicos, reflexiona sobre el papel de las intervenciones feministas en el campo del arte contemporáneo, la esfera pública y política. En el proceso, toca cuestiones más amplias de diferencia cultural, historia, clase, posición económica, problemas ecológicos y orientación sexual, así como las formas en que se cruzan.
Poesía Brossa, el catálogo de la exposición en el MACBA en 2018, es uno de esos libros donde el Arte y la Literatura caminan juntos. El libro es hipnótico, como su obra, que se agranda con el tiempo.
Autores: Teresa Grandas, Pedro G. Romero. Roger Bernat, Llorenç Mas, Isabel de Naverán, María Salgado
«Brossa no crea; se limita a seleccionar», dice Roger Bernat. Y, efectivamente, Brossa trabaja con poemas dispersos, frases, ideas anotadas en los márgenes, recortes de prensa, obras teatrales y parateatrales: «cada nueva clasificación produce un nuevo libro.» Poesía Brossa muestra, a través de publicaciones, investigaciones plásticas, teatro, cine, música y gestos en los que fue pionero, que su obra juega a romper las convenciones y se sitúa en los límites entre disciplinas.
La publicación se ha estructurado en forma de glosario, siguiendo el orden alfabético, y se ha construido con numerosas aportaciones. Incluye obras de tres artistas que fueron contemporáneos a Brossa: Marcel Mariën, Nicanor Parra e Ian Hamilton-Finlay, con quienes establece múltiples paralelismos. Teresa Grandas y Pedro G. Romero, comisarios de la exposición, colaboran con sendos ensayos, y Roger Bernat, Isabel de Naverán y María Salgado escriben sus personales definiciones de varios términos brossianos. Llorenç Mas, por su lado, ha realizado un análisis a partir del corto No compteu amb els dits (1967) de Pere Portabella, para explicar cómo trabajaba el poeta y qué lo inspiraba. Y, en formato de pequeños cuadernos, se han añadido obras de Brossa como Oda a Joan Miró, Novel·la y Barcelona per Brossa (con fotos de Colita).
Notas sobre la exposición en el MACBA:
Podría parecer una obviedad reconocer en Joan Brossa (Barcelona, 1919/98), sobre todo, a un poeta, pero creemos que es necesario enfatizarlo en relación con su manera de hacer, su poiesis. La exposición quiere poner en diálogo y confrontar su obra con los artistas Marcel Mariën, Nicanor Parra y Ian Hamilton-Finlay. Brossa es poeta, pero sus trabajos siempre se encuentran en el cruce de lenguajes. Colaborador frecuente de otros artistas, así como de músicos, cineastas, bailarines, humoristas e incluso magos, su obra juega constantemente a romper las convenciones y los límites entre disciplinas.
Joan Brossa desarrolla su práctica artística desde los años cuarenta, en un contexto sociopolítico marcado por la dictadura franquista y en una situación cultural caracterizada por la ausencia de propuestas vanguardistas e innovadoras. Desde sus inicios, Brossa lleva a cabo un trabajo de renovación estética fundamentado en la investigación literaria y artística. Hasta el momento de su muerte, su extensísima producción no deja de buscar nuevas formas de expresión y de experimentar con los diferentes medios.
En 2011 el Museu d’Art Contemporani de Barcelona recibió el depósito del Fondo de la Fundació Joan Brossa, que reúne el legado de este artista. El Fondo consiste en obras manuscritas, documentos, correspondencia y su biblioteca personal, entre otros materiales, y constituye una herramienta inigualable para abordar el interesantísimo trabajo de este artista.
La exposición que el MACBA prepara quiere aproximarse a la obra de Brossa haciendo hincapié en la reconsideración de su influencia e interrelación con la práctica de otros artistas. El proyecto pretende revisar las constelaciones de artistas en torno a Brossa, las interrelaciones con trabajos que quizás desconociera, pero que permiten establecer numerosos paralelismos, buscar diálogos y tensiones, y enfatizar los aspectos performativos de su práctica poética, su poiesis. La exposición se acompañará de una publicación que abordará estos aspectos.
Secularizar a este gran poeta no es tarea fácil, y este es el reto del proyecto, entre Marx y Mallarmé: devolverle la voz sencilla, popular, tal como habla la gente con sombrero o sin él; como hablan una bombilla, un billete de tren, la carta de una baraja, unas esposas, o el confeti. La gente habla Brossa.
Hoy haremos un viaje a los años ’20 del siglo XX, a través de una novedad de Prestel: Madame d’Ora.
ISBN: 978-3-7913-5970-0. £39,99. editado por Monika Faber. Cartoné, Tela, 232 pag., 23,5 x 28,5 cm, 8 ilustraciones en color, 200 ilustraciones en b/n.
“Nacida como Dora Kallmus (1881-1963), la fotógrafa de moda y retrato austriaca tomó el seudónimo de Madame d’Ora. Fue la retratista más aclamada del fin de siècle de Viena, y creó uno de los estudios de estilo Art Deco más elegantes de París en la década de 1920. Sus modelos incluyeron a Josephine Baker, Coco Chanel, Colette y Pablo Picasso, entre muchos otros.
Este catálogo cubre los períodos primarios de su vida y carrera, desde su temprana educación como hija de intelectuales judíos en Viena, hasta sus días como primera celebridad y fotógrafa de sociedad primero en Viena y luego en París. También discute su supervivencia durante el Holocausto y su trabajo fotografiando refugiados después de la Segunda Guerra Mundial, incluido un notable y abrasador grupo de fotografías que documentan los mataderos parisinos.
La publicación acompaña a la exposición más grande dedicada a Madame d’Ora jamás presentada en los Estados Unidos, que se exhibirá en la Neue Galerie New York del 20 de febrero al 8 de junio de 2020.”
Hoy les propongo una novedad de DOM Publishers: The Nuclear Dream. The Hidden World of Atomic Energy. Bernhard Ludewig. ISBN 978-3-86922-080-2. 98€. Un libro de gran formato (36,6 x .28,8 cm., tapa dura).
El uso pacífico de la energía nuclear fue la tarea técnica utópica más trascendental en la historia de la posguerra alemana, y condujo a uno de los mayores conflictos sociales del país. Aunque las cúpulas icónicas y las torres de enfriamiento se han convertido en símbolos de esta tecnología, , el resto del mundo nuclear es prácticamente invisible. Durante un período de siete años, Bernhard Ludewig fotografió los edificios y los procesos llevados a cabo dentro de ellos, principalmente en Alemania, pero también en otros lugares de Europa y América del Sur. Sus imágenes esclarecedoras proporcionan una visión rara detrás de escena: plantas de energía y reactores abiertos, torres de enfriamiento y salas de control, centrifugadoras y depósitos de uranio, reactores de investigación y radiación Cherenkov, construcción y demolición.
El sueño nuclear revela un mundo que ahora está en declive y que una vez prometió un suministro ilimitado de energía.
Estimados, en estos tiempos excepcionales, donde los augurios de lo que llamábamos ciencia ficción son reales, algunas de las cosas importantes que nos quedan son los libros. En cualquier formato, recogen parte de nuestra cultura. Nuestro negocio se resiente, como si fuera un condenado a punto de morir, pero saldremos de ésta, como siempre, y aunque un poco empobrecidos, machacados, confinados, seguiremos en este camino.
Éstos días, iré poniendo libros que, por alguna razón, les tengo cariño. Un refugio en papel.
Empezamos con un libro muy familiar (para mí):
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Mundo Propio. Fotografía Moderna Argentina 1927-1962
En ocasión de la exposición “Mundo propio. Fotografía moderna argentina 1927-1962” (22/3 al 9/6/2019), Malba editó, junto a Ediciones Larivière, un catálogo que incluye la reproducción de las obras de la exposición, material gráfico y documental de la época y textos antológicos sin circulación actual, así como un texto del curador Facundo de Zuviría, una bibliografía selecta sobre el tema y notas biográficas de los artistas.
Al catálogo lo acompaña una publicación que reproduce la serie completa de los “sueños” de Grete Stern: fotomontajes realizados para ilustrar la página “El psicoanálisis le ayudará” de la revista Idilio (Editorial Abril), entre 1948 y 1951. También incluye un texto de Luis Príamo.
Mundo propio configura un amplio panorama de las vanguardias en la fotografía argentina a lo largo de tres décadas, a través de una selección de 250 obras –en su mayoría copias de época– de Horacio Coppola, Grete Stern, Annemarie Heinrich, Anatole Saderman, Sameer Makarius, Juan Di Sandro, Pedro Otero, Hans Mann, George Friedman y Alicia D’Amico, entre otros célebres fotógrafos que abrieron nuevos caminos en el campo de la fotografía nacional, además de otros referentes menos conocidos con obras sumamente originales.
Foto George Friedman
Con eje en la experimentación, la exposición se organiza en grandes núcleos temáticos en torno a la ciudad, la abstracción, los surrealismos, el mundo onírico y los retratos, con obras provenientes de destacadas colecciones privadas y públicas del país como el Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y la Fundación Larivière, Colección de Fotografía Latinoamericana, entre otras.
Entre los importantes conjuntos se incluyen las fotos de Buenos Aires de Horacio Coppola (1929-1936) y sus primeras tomas de 1927 en copias vintage; las plantas autóctonas de Anatole Saderman de los años 30; Los sueños de Grete Stern en su serie completa de 46 fotomontajes, publicados entre 1948 y 1951 en la página “El psicoanálisis le ayudará” de la revista Idilio (Editorial Abril); parte de la serie La fotografía y la música (1952-1956) de Pedro Otero; y los célebres retratos de Annemarie Heinrich.
La exhibición también incluye fotografías prácticamente inéditas o rarezas –que circularon solo en galerías especializadas– como la fotonovela de George Friedman, lanzada por editorial Abril en los años 50 y 60; los primeros retratos de Hans Mann en el Chaco (c. 1937); fotos de Gisèle Freund que vivió unos años en Buenos Aires; las abstracciones urbanas de Ricardo Sansó de 1957; la Serie Bíblica de Sameer Makarius, piezas únicas que expuso en la Galería Peuser en 1961 con el grupo de la Nueva Figuración; además de fotografías y material de archivo de la Carpeta de los 10 y el Grupo Forum.
“La arquitectura es creada, “inventada de nuevo”, por cada hombre que anda en ella, que recorre su espacio, subiendo las escaleras, o descansando sobre una barandilla, levantando la cabeza para oler, abrir o cerrar una puerta, sentarse o levantarse a tener un contacto íntimo y al mismo tiempo crear “formas” en el espacio; el ritual primitivo desde el cual surge la danza, la primera expresión de lo que sería el drama. Este contacto íntimo, ardiente, que una vez fue percibido por el hombre, está ahora en el olvido. Los lugares habituales y comunes hicieron al hombre olvidar la belleza de su “movimiento en el espacio”, su movimiento consciente, de mínimos gestos, de menos actitud…” Lina Bo Bardi
Presentamos este libro de Prestel, que estará a la venta en unas semanas. En colaboración con el MASP, Museo Jumex, y el Museum of Contemporary Art, Chicago, el catálogo analiza la obra de Lina Bo Bardi en todas sus facetas: arquitectónicas, de diseño y artísticas. Y que acompaña una extensa exposición que después de inaugurarse en el Museu de Arte de São Paulo, Brazil en 2019, abrió en el Museo Jumex en enero (hasta el 10 de mayo), y finalmente estará en el Museum of Contemporary Art Chicago entre Junio y Octubre de este año.
Lina Bo Bardi es una de las arquitectas más importantes en la historia de Brasil. El libro presenta un registro exhaustivo del enfoque global del trabajo de Bo Bardi sobre el arte y la arquitectura, y muestra cómo sus diseños de exposiciones, proyectos curatoriales y escritura, complementaron sus diseños espaciales.
Los ensayos sobre su vida y trabajo acompañan material de archivo, como bocetos de diseños y escritos suyos, y le dan una nueva visión de los procesos concetuales y materiales de esta pensadora y creadora radical.
Lina Bo Bardi dejó Italia, al acabar la Segunda Guerra Mundial, y se estableció en Brasil con su marido, donde desarrolló su carrera.
En 1950 creó la revista Hbitat, y en 1951, diseñó la “Casa do Vidro”, su primer trabajo construido, donde ella y su esposo vivirían el resto de sus vidas. También diseñó el Museo de Arte de Sâo Paulo, un hito de la arquitectura modernista latinoamericana que se inauguró en 1968. fue para este museo, que creó el icónico sistema de exhibición de caballete de vidrio, que sigue siendo radical hasta la fecha.
